입체주의(立體主義, Cubism)는 1907년경 프랑스 파리에서 파블로 피카소와 조르주 브라크를 중심으로 형성된 20세기 현대미술의 주요 예술운동이다. 기존의 회화가 하나의 고정된 시점에서 바라본 사물과 공간을 사실적으로 재현하는 데 집중했다면, 입체주의는 사물의 형태를 여러 면으로 분해하고 다양한 시점에서 관찰한 모습을 하나의 화면에 재구성하는 방식을 발전시켰다. 회화뿐 아니라 조각과 콜라주, 건축과 디자인 등 여러 분야에 영향을 미쳤으며, 이후 추상미술과 미래주의, 구성주의 등 다양한 현대미술 운동이 발전하는 데 중요한 기반이 됐다.
입체주의 그림을 처음 보면 사람의 얼굴이 옆으로 돌아가 있는데 눈은 정면을 보고 있거나, 기타와 바이올린이 여러 조각으로 분해되어 화면 곳곳에 흩어진 것처럼 보인다. 사물을 실제로 보는 모습과 다르게 그렸기 때문에 단순히 형태를 제대로 묘사하지 못한 그림처럼 느껴질 수도 있지만, 입체주의자들은 오히려 사물은 하나의 방향에서 바라본 모습만으로 완전히 설명할 수 있는가라는 문제를 제기했다. 사람의 얼굴만 해도 정면에서는 두 눈이 보이지만 측면에서는 코의 형태가 뚜렷하게 드러나고, 컵 역시 옆에서 보면 몸통이 보이지만 위에서 보면 원형의 입구가 보인다. 입체주의는 이러한 서로 다른 시각적 정보를 하나의 화면에 결합하려 했다.
대표적인 작품으로는 피카소의 《아비뇽의 처녀들》과 《등나무 의자가 있는 정물》, 브라크의 《에스타크의 집들》과 《과일 접시와 유리잔》, 후안 그리스의 《피카소의 초상》 등이 있다. 특히 1912년경부터는 신문지와 벽지, 인쇄된 종이와 천 같은 실제 재료를 그림에 붙이는 콜라주가 본격적으로 사용되면서, 사물을 그리는 것과 실제 사물을 구성하는 재료를 작품에 넣는 것 사이의 경계도 흐려지기 시작했다.
흔히 입체주의라고 하면 “사람 얼굴을 네모나게 쪼개서 눈코입을 이상한 데 갖다 붙이는 그림”을 떠올리지만, 그보다 중요한 것은 르네상스 이후 서양 회화에서 오랫동안 사용해온 원근법과 단일시점의 규칙을 근본적으로 흔들었다는 점이다. 그림을 현실을 보여주는 창문처럼 생각하던 방식에서 벗어나, 캔버스라는 평평한 공간 위에 현실의 사물을 새롭게 구성할 수 있다는 가능성을 발전시킨 운동이라고 볼 수 있다.
역사
세잔과 피카소·브라크
입체주의가 등장하기 전 서양의 회화에서는 르네상스 이후 발전한 원근법이 중요한 역할을 했다. 화가는 특정한 위치에서 바라본 인물과 사물, 건축물을 하나의 화면에 배치하고, 가까운 물체는 크게 그리며 멀리 있는 물체는 작게 그려 실제 공간을 보는 듯한 깊이감을 만들어냈다. 물론 모든 화가가 이러한 방식만 사용한 것은 아니지만, 하나의 고정된 시점에서 관찰한 현실을 평면 위에 재현한다는 생각은 오랫동안 회화의 기본적인 원칙으로 받아들여졌다.
19세기 후반에는 이러한 재현방식에 도전하는 여러 예술운동이 나타났다. 인상주의 화가들은 빛과 색채의 순간적인 변화를 중요하게 생각했고, 폴 세잔은 사물의 표면적인 모습보다 형태와 공간의 구조를 탐구했다. 특히 세잔은 사과와 병, 산과 건물 등을 단순한 기하학적 형태로 파악하면서 하나의 그림 안에서도 서로 미묘하게 다른 시점과 공간구성을 사용했다. 그의 정물화에서는 탁자의 양쪽 가장자리가 정확히 연결되지 않거나 사물이 놓인 각도가 조금씩 어긋나는 경우가 있는데, 이는 기존의 엄격한 원근법에서 벗어나 화면 전체의 구조를 중요하게 다룬 결과다.
세잔은 1906년 사망했고, 이듬해인 1907년 파리에서는 그의 작품을 대규모로 소개하는 회고전이 열렸다. 피카소와 브라크를 비롯한 젊은 화가들은 세잔의 작품에서 사물의 형태와 공간을 새롭게 구성할 수 있는 가능성을 발견했다. 입체주의는 이러한 세잔의 실험을 더욱 급진적으로 발전시키면서 사물을 여러 면으로 분해하고 다시 결합하는 방향으로 나아갔다.
이 시기 피카소는 스페인에서 태어나 프랑스로 건너와 활동하고 있었고, 브라크는 프랑스의 젊은 화가로서 야수주의의 영향을 받은 작품을 제작하고 있었다. 두 사람은 1907년경 서로 교류하기 시작했으며, 이후 몇 년 동안 매우 긴밀하게 작업하면서 새로운 회화의 형태를 발전시켰다. 서로의 작업실을 방문하고 작품에 대한 의견을 나누면서 비슷한 주제와 기법을 실험했기 때문에 초기 입체주의 작품에서는 두 화가의 그림을 쉽게 구분하기 어려운 경우도 있다.
《아비뇽의 처녀들》과 입체주의의 탄생
1907년 피카소는 《아비뇽의 처녀들》(Les Demoiselles d'Avignon)을 제작했다. 작품에는 다섯 명의 여성이 등장하지만 인물의 신체는 날카로운 선과 평평한 면으로 분해되어 있고, 오른쪽 인물들의 얼굴은 아프리카와 오세아니아의 가면을 연상시키는 형태로 표현되어 있다. 전통적인 인물화에서 나타나는 자연스러운 신체비례와 부드러운 명암, 일관된 원근법은 거의 사라졌으며, 인물과 배경이 서로 밀착되어 하나의 평평한 화면 안에 배치된 것처럼 보인다.
이 작품은 입체주의의 출발점으로 자주 언급되지만, 1907년에 이미 완성된 입체주의 양식이 확립됐다고 보기는 어렵다. 오히려 기존의 인물화와 공간표현을 급진적으로 변형한 실험적인 작품으로서 이후 피카소와 브라크가 발전시킨 입체주의의 방향을 예고했다고 이해하는 편이 자연스럽다. 실제로 작품과 입체주의 사이의 관계에 대해서는 미술사학자들 사이에서도 여러 견해가 존재한다.
《아비뇽의 처녀들》에는 세잔의 회화뿐 아니라 이베리아반도의 고대 조각과 아프리카·오세아니아의 조각 및 가면 등 다양한 문화적 요소가 반영되어 있다. 특히 당시 유럽의 예술가들이 아프리카와 오세아니아의 조각을 접할 수 있었던 배경에는 식민주의 시대의 수집과 유통구조가 존재했다. 따라서 피카소가 비유럽권 예술의 형태에서 영향을 받았다는 사실을 설명할 때에는 그 예술품들이 유럽에 들어오게 된 역사적 배경과 원래의 문화적 맥락도 함께 고려할 필요가 있다.
1908년에는 브라크가 프랑스 남부 에스타크의 풍경을 기하학적으로 단순화한 작품들을 제작했다. 당시 미술평론가 루이 보셀은 브라크의 그림에서 건물과 풍경이 작은 입방체처럼 표현된 것을 두고 큐브(cube)라는 말을 사용했으며, 이러한 비평과 논의가 이어지면서 입체주의라는 명칭이 자리 잡게 됐다. 다만 피카소와 브라크가 처음부터 입체주의라는 이름의 단체를 결성하고 공동 선언문을 발표한 것은 아니었다. 두 화가가 실제 작업을 통해 새로운 표현방식을 발전시킨 뒤 이를 설명하는 명칭이 미술계에서 형성된 것이다.
국제적 확산과 제1차 세계 대전
1910년대 초반 입체주의는 피카소와 브라크의 작업실을 넘어 다른 예술가들에게 빠르게 확산됐다. 후안 그리스와 페르낭 레제, 알베르 글레즈, 장 메챙제, 로베르 들로네 등 여러 화가가 입체주의의 기하학적 형태와 새로운 공간구성에 관심을 보였으며, 각자의 표현방식으로 이를 발전시켰다. 1911년 파리의 앙데팡당전에서는 입체주의 작품들이 집단적으로 소개되어 대중적인 논쟁을 불러일으켰다.
1912년에는 글레즈와 메챙제가 《입체주의에 대하여》(Du « Cubisme »)를 출판해 입체주의의 표현방식을 이론적으로 설명했으며, 같은 해 열린 황금분할파(Section d'Or) 전시에는 여러 입체주의 및 관련 전위예술가가 참여했다. 이들은 피카소와 브라크의 작품에서 출발한 기하학적 표현을 다양한 방향으로 확장했고, 일부 작가는 색채와 움직임, 기계적인 형태를 더욱 강조했다. 따라서 1910년대의 입체주의를 피카소와 브라크 두 사람이 제작한 그림으로만 한정하면 당시 운동의 실제 규모와 다양성을 놓치게 된다.
그러나 1914년 제1차 세계 대전이 발발하면서 초기 입체주의의 긴밀한 협업과 예술계의 활동환경은 크게 달라졌다. 브라크와 레제 등 여러 프랑스 화가가 전쟁에 동원됐고, 유럽의 예술가들이 군복무와 부상, 이동과 경제적 어려움을 겪으면서 전쟁 전 파리에서 형성됐던 활동방식도 변화했다. 피카소와 브라크가 긴밀하게 협력했던 시기는 사실상 전쟁을 계기로 끝났지만, 입체주의 자체가 1914년에 완전히 사라진 것은 아니었다.
피카소는 1920년대에도 입체주의적인 작품을 제작했고, 후안 그리스와 레제 등 다른 화가들도 각자의 방식으로 작업을 이어갔다. 입체주의의 기하학적 형태와 공간구성은 러시아와 이탈리아, 네덜란드 등 여러 지역의 새로운 예술운동에도 영향을 미쳤으며, 회화뿐 아니라 조각과 건축·디자인으로도 확산됐다.
특징과 표현방식
다중시점과 형태의 분해
입체주의를 이해하는 핵심 개념 가운데 하나는 다중시점이다. 기존의 원근법 회화에서는 화가가 한곳에 서서 바라본 장면을 중심으로 사물과 공간을 구성하는 경우가 많았지만, 입체주의에서는 서로 다른 방향에서 관찰한 사물의 특징을 하나의 화면에 결합할 수 있다. 예를 들어 정면에서 본 사람의 얼굴과 옆에서 본 코의 형태를 동시에 표현하거나, 컵의 측면과 위에서 바라본 입구를 하나의 화면에 함께 나타내는 식이다.
다만 입체주의의 모든 작품이 사물의 앞·뒤·옆·위를 실제로 돌아가며 관찰한 뒤 그 모습을 기계적으로 합쳐놓은 것은 아니다. 여러 시점을 결합한다는 설명은 입체주의의 특징을 이해하기 위한 중요한 개념이지만, 개별 작품에서는 형태의 분해와 공간의 재구성, 색채와 화면의 균형 등 다양한 문제가 함께 다뤄진다. 피카소와 브라크는 실제 사물의 모든 면을 정확하게 기록하는 것보다 기존의 원근법으로는 만들기 어려운 새로운 회화적 공간을 구성하는 데 관심을 가졌다.
입체주의 작품에서 기타와 바이올린, 병과 컵, 신문과 인물이 자주 등장하는 것도 이런 실험과 연결된다. 비교적 익숙한 사물을 사용하면 화가가 형태를 크게 변형하더라도 관람객이 일부 특징을 통해 원래의 대상을 알아볼 수 있기 때문이다. 기타의 곡선과 현, 바이올린의 몸통과 구멍, 컵의 손잡이처럼 사물을 구별할 수 있는 특징적인 요소를 남겨두면서 나머지 형태를 분해하거나 새로운 위치에 배치하는 방식이다.
쉽게 말하면 사람 얼굴을 아무렇게나 박살내놓고 끝내는 것이 아니라, 얼굴이라는 사실은 알아볼 수 있게 남겨두면서 기존의 한 방향에서 본 얼굴과는 전혀 다른 방식으로 다시 구성하는 것이다.
원근법과 공간의 변화
전통적인 원근법에서는 그림 속의 사물과 배경이 실제 공간처럼 서로 다른 깊이를 차지한다. 가까운 사물은 앞에 있고 먼 사물은 뒤에 있으며, 건축물과 바닥의 선은 일정한 소실점을 향해 모이는 방식으로 공간을 표현한다. 반면 입체주의에서는 인물과 배경의 경계가 흐려지거나 서로 다른 공간의 면이 하나의 화면에 겹쳐 나타나기도 한다.
특히 초기 입체주의 작품에서는 사물의 앞면과 옆면, 배경을 이루는 형태들이 비슷한 크기의 기하학적 면으로 분해되면서 공간 전체가 작은 조각들로 이루어진 것처럼 보인다. 이때 관람객은 어디까지가 사물이고 어디부터가 배경인지 쉽게 구별하기 어려울 수 있으며, 그림 속에서 하나의 고정된 소실점을 찾아내기도 어렵다.
입체주의가 원근법을 완전히 없애고 모든 작품을 평평하게 만들었다고 설명하는 것도 정확하지는 않다. 일부 작품에서는 깊이감을 나타내는 명암과 선이 사용되고, 실제 사물의 형태를 알아볼 수 있는 단서도 남아 있다. 중요한 것은 기존의 원근법을 화면 전체에 일관되게 적용해야 한다는 규칙에서 벗어나, 사물과 공간의 관계를 화가가 새롭게 구성할 수 있게 됐다는 점이다.
기하학적 형태와 색채
입체주의라는 이름 때문에 모든 작품이 정육면체와 직사각형으로만 이루어져 있다고 생각하기 쉽지만, 실제 작품에서는 삼각형과 원통형·원형·곡선 등 다양한 형태가 사용된다. 초기에는 건물과 나무, 사람의 얼굴과 신체를 기하학적으로 단순화하는 경향이 강했고, 이후에는 사물의 형태를 더욱 작은 면으로 나누거나 서로 다른 재료를 결합하는 방향으로 발전했다.
색채 역시 시기와 작가에 따라 달랐다. 피카소와 브라크의 분석적 입체주의 작품에서는 갈색과 회색, 검은색·황토색처럼 비교적 제한된 색채가 사용되는 경우가 많았다. 여러 색을 강렬하게 대비시키기보다 사물의 형태와 공간을 분해하는 데 집중했기 때문이다. 반면 후안 그리스와 로베르 들로네 등은 더욱 선명한 색채를 활용했으며, 1912년 이후 종이와 인쇄물을 작품에 붙이는 방식이 확대되면서 화면의 색채와 질감도 더욱 다양해졌다.
따라서 입체주의를 “네모난 갈색 그림”으로만 이해하면 곤란하다. 같은 입체주의에 속하더라도 시기와 화가에 따라 회색과 갈색의 작은 면들이 복잡하게 얽혀 있는 작품도 있고, 강렬한 원색과 단순한 형태가 결합된 작품도 있으며, 신문지와 벽지·천이 실제로 붙어 있는 작품도 존재한다.
분석적 입체주의와 종합적 입체주의
분석적 입체주의
분석적 입체주의(Analytical Cubism)는 일반적으로 1909년경부터 1912년경까지 피카소와 브라크가 발전시킨 표현방식을 가리킨다. 사물과 인체를 여러 면으로 분해하고 이를 화면 전체에 재구성하는 방식으로, 기타와 바이올린·병·컵·사람의 얼굴 등이 작은 기하학적 면과 선으로 나뉘어 나타난다. 그림 속 사물과 배경의 경계가 흐려지고 색채도 갈색·회색·황토색 등으로 제한되는 경우가 많아, 구체적인 사물의 형태를 한눈에 알아보기 어려운 작품도 존재한다.
분석적 입체주의라는 이름은 사물을 과학적으로 측정하거나 수학적인 계산에 따라 그린다는 뜻이 아니다. 사물을 여러 부분으로 나누어 관찰하고 그 구조를 새로운 방식으로 표현한다는 의미에 가깝다. 피카소와 브라크는 사물의 표면적인 모습보다 그 형태를 구성하는 면과 공간의 관계에 집중했으며, 이를 통해 기존의 사실적 재현과 다른 회화적 구조를 만들려 했다.
이 시기의 작품에서 바이올린을 그렸는데도 어디가 바이올린인지 쉽게 찾을 수 없는 경우가 있다. 현과 몸통의 일부, 악기의 구멍처럼 대상을 알아볼 수 있는 특징은 남아 있지만 나머지 부분이 수많은 면으로 분해되어 배경과 뒤섞이기 때문이다. 그래서 분석적 입체주의 작품을 볼 때는 화면 전체를 한 번에 이해하려고 하기보다 구체적인 사물을 알아볼 수 있는 단서를 찾아가며 살펴보는 방법이 도움이 된다.
다만 모든 작품이 똑같은 수준으로 복잡한 것은 아니다. 1909년 무렵의 초기 작품에서는 건물과 나무, 사람의 형태가 비교적 분명하게 남아 있는 경우도 있고, 1911~1912년의 작품에서는 형태가 더욱 작게 분해되어 거의 추상적인 구성처럼 보이는 경우도 있다. 분석적 입체주의는 일정한 제작규칙이 한 번에 완성된 양식이라기보다 여러 해에 걸친 실험을 통해 변화한 표현방식이었다.
종합적 입체주의
종합적 입체주의(Synthetic Cubism)는 일반적으로 1912년경부터 발전한 표현방식으로, 사물을 작은 면으로 계속 분해하는 대신 단순화된 형태와 색채, 문자와 실제 재료를 결합해 새로운 이미지를 구성하는 경향이 강하다. 피카소와 브라크는 신문지와 벽지, 인쇄된 종이·천 등을 작품에 붙이는 콜라주를 적극적으로 활용했으며, 이러한 실험을 통해 그림 속에서 재현된 사물과 실제로 존재하는 재료 사이의 관계를 탐구했다.
1912년 피카소는 《등나무 의자가 있는 정물》을 제작했다. 이 작품에는 등나무 의자의 짜임무늬가 인쇄된 유포가 붙어 있고, 타원형 화면의 가장자리는 밧줄로 둘러싸여 있다. 그림 속에는 실제로 의자의 짜임을 손으로 그린 부분이 아니라 그 무늬가 인쇄된 재료가 사용됐으며, 밧줄 역시 회화적으로 묘사된 것이 아니라 실제 물체다. 이를 통해 피카소는 사물을 그리는 것과 사물의 이미지를 가진 재료를 직접 가져오는 것 사이의 경계를 흔들었다.
같은 해 브라크는 《과일 접시와 유리잔》을 제작하면서 나뭇결이 인쇄된 벽지를 종이에 붙였다. 이 작품은 입체주의의 초기 파피에 콜레(papier collé), 즉 종이 콜라주를 대표하는 사례다. 나무로 만든 탁자를 묘사하기 위해 실제 나무를 사용한 것이 아니라 나뭇결을 흉내 낸 인쇄 벽지를 작품에 붙였다는 점에서, 실제 사물과 그것을 재현한 이미지의 관계를 다시 생각하게 만든다.
이러한 방식은 기존의 회화가 현실을 물감으로 묘사해야 한다는 관념에서 벗어나는 계기가 됐다. 종이와 천, 인쇄물은 원래 미술재료가 아니어도 작품의 일부가 될 수 있었고, 신문에 인쇄된 문자와 광고 이미지도 화면의 구성요소로 사용됐다. 이후 후안 그리스를 비롯한 여러 화가는 선명한 색채와 정돈된 형태, 콜라주를 결합해 종합적 입체주의를 더욱 발전시켰다.
분석적 입체주의와 종합적 입체주의의 차이를 간단히 설명하면, 전자가 사물을 여러 면으로 분해해 화면에 다시 배열하는 작업에 집중했다면 후자는 단순화된 형태와 실제 재료를 결합해 사물의 이미지를 새롭게 구성하는 작업으로 확장됐다고 볼 수 있다. 다만 두 시기가 정확한 날짜를 기준으로 완전히 구분되거나 한 시기의 기법이 다음 시기에 전부 사라진 것은 아니다.
주요 작가와 작품
파블로 피카소
파블로 피카소(Pablo Picasso, 1881~1973)는 조르주 브라크와 함께 입체주의의 형성과 발전을 이끈 핵심 인물이다. 1907년 제작한 《아비뇽의 처녀들》을 통해 기존의 인물화와 공간표현을 급진적으로 변형했으며, 이후 브라크와의 긴밀한 협업을 통해 사물의 형태를 분해하고 재구성하는 새로운 회화적 표현을 발전시켰다.
피카소의 입체주의 작품은 특정한 기법 하나에 한정되지 않는다. 초기에는 인물과 풍경의 형태를 기하학적으로 단순화했고, 분석적 입체주의 시기에는 기타와 바이올린·병·인물 등을 작은 면으로 분해해 표현했다. 이후에는 콜라주와 단순화된 색면을 적극적으로 사용했으며, 종이와 판지 등을 이용해 기타 모양의 입체구조물을 제작하는 등 입체주의의 실험을 조각으로도 확장했다.
대표적인 작품으로는 《아비뇽의 처녀들》(1907), 《등나무 의자가 있는 정물》(1912), 《기타》(1912), 《세 명의 음악가》(1921) 등이 있다. 특히 《세 명의 음악가》는 종합적 입체주의의 표현방식을 활용해 인물과 악기, 공간을 단순하고 선명한 색면으로 구성한 작품으로, 피카소가 초기 입체주의의 긴밀한 협업이 끝난 뒤에도 관련 표현방식을 계속 발전시켰다는 점을 보여준다.
조르주 브라크
조르주 브라크(Georges Braque, 1882~1963)는 피카소와 함께 입체주의를 발전시킨 프랑스 화가다. 초기에는 야수주의의 영향을 받은 풍경화를 제작했지만 1908년 무렵부터 건물과 나무, 사물의 형태를 기하학적으로 단순화하면서 피카소와 긴밀하게 교류하기 시작했다. 두 화가는 서로의 작업에 영향을 주고받으며 분석적 입체주의의 표현방식을 발전시켰고, 1912년에는 콜라주와 실제 재료를 활용하는 새로운 실험으로 나아갔다.
브라크의 대표작으로는 《에스타크의 집들》(1908), 《바이올린과 팔레트》(1909), 《과일 접시와 유리잔》(1912) 등이 있다. 특히 《과일 접시와 유리잔》은 나뭇결이 인쇄된 벽지를 화면에 붙인 작품으로, 종합적 입체주의의 발전에서 중요한 전환점으로 다뤄진다.
브라크는 제1차 세계 대전에 참전했다가 부상을 입었으며, 전쟁 이후에도 회화와 조각·판화 등의 작업을 이어갔다. 피카소의 유명세 때문에 입체주의가 피카소 한 사람의 발명품처럼 소개되는 경우가 많지만, 초기 입체주의는 피카소와 브라크의 긴밀한 공동실험을 통해 발전했다는 점을 빼놓을 수 없다.
후안 그리스와 페르낭 레제
후안 그리스(Juan Gris, 1887~1927)는 스페인 출신의 화가로, 피카소와 브라크에 이어 입체주의를 대표하는 인물 가운데 하나다. 그는 1910년대 초반부터 입체주의 작품을 제작했으며, 정돈된 형태와 선명한 색채, 콜라주를 활용하는 독자적인 화풍을 발전시켰다. 피카소와 브라크의 분석적 입체주의 작품이 갈색과 회색의 복잡한 면으로 이루어지는 경우가 많았던 것과 달리, 그리스의 작품에서는 비교적 분명한 구조와 다양한 색채가 나타나는 경우가 많다.
대표작으로는 《피카소의 초상》(1912)과 《아침식사》(1914), 《포도》(1913) 등이 있다. 특히 정물화에서는 병과 신문, 컵과 과일 같은 일상적인 사물을 기하학적으로 단순화하고 여러 면으로 재구성하면서도 화면 전체의 균형과 장식적인 효과를 중요하게 다뤘다.
페르낭 레제(Fernand Léger, 1881~1955)는 원통형과 곡선, 기계적인 형태를 적극적으로 활용한 프랑스 화가다. 그는 입체주의의 기하학적 표현을 받아들이면서도 피카소와 브라크보다 산업과 기계, 현대도시의 시각적 요소에 더 강한 관심을 보였다. 대표작 《계단 위의 누드》(1913) 등에서는 인체가 원통형과 기계적인 형태로 재구성되어 나타나며, 이후에는 노동자와 도시생활·산업사회를 소재로 한 작품도 제작했다.
다른 작가와 관련 운동
입체주의는 피카소와 브라크, 그리스와 레제 외에도 여러 예술가에게 영향을 미쳤다. 알베르 글레즈와 장 메챙제는 1912년 《입체주의에 대하여》를 출판하면서 입체주의를 이론적으로 설명하는 데 중요한 역할을 했고, 로베르 들로네와 소니아 들로네는 기하학적 형태와 강렬한 색채를 결합하는 작업을 발전시켰다.
마르셀 뒤샹의 《계단을 내려오는 누드 2》 역시 입체주의와 관련해 자주 언급되는 작품이다. 이 작품은 인체가 계단을 내려오는 움직임을 여러 단계의 형태로 분해해 하나의 화면에 결합했으며, 입체주의적인 형태의 분해와 움직임에 대한 관심이 함께 나타난다. 다만 뒤샹은 이후 다다이즘과 개념미술의 중요한 선구자로도 활동했기 때문에 그의 전체 작품세계를 입체주의 하나로 설명할 수는 없다.
로베르 들로네와 소니아 들로네는 입체주의의 영향을 받아 색채와 빛의 관계를 더욱 강조하는 오르피슴(Orphism)이라는 흐름과 연결됐다. 이 밖에도 이탈리아의 미래주의와 러시아의 구성주의, 네덜란드의 추상미술 등 여러 전위예술 운동에서 입체주의의 기하학적 형태와 공간구성의 영향을 찾아볼 수 있다.
영향과 평가
입체주의의 가장 중요한 미술사적 의의는 르네상스 이후 서양 회화에서 오랫동안 사용해온 단일시점의 원근법과 현실 재현방식에 근본적인 질문을 던졌다는 점이다. 기존 회화에서는 그림이 실제 공간을 바라보는 창문처럼 기능하는 경우가 많았지만, 입체주의에서는 캔버스 자체가 사물의 형태와 공간을 새롭게 구성하는 장소가 됐다. 관람객은 그림 속의 사물이 실제로 어떻게 생겼는지 알아보는 데 그치지 않고, 여러 면과 시점이 하나의 화면에서 어떻게 연결되는지를 살펴보게 된다.
입체주의가 후대 미술에 남긴 또 다른 중요한 유산은 콜라주와 실제 재료의 도입이다. 피카소와 브라크는 신문지와 벽지, 인쇄된 종이와 천 등을 회화에 직접 붙이면서 작품이 반드시 물감만으로 구성될 필요는 없다는 가능성을 보여줬다. 이러한 실험은 이후 다다이즘과 초현실주의의 콜라주, 구성주의와 팝 아트, 개념미술 등 여러 예술운동에서 발전한 재료와 이미지의 재조합 방식에도 영향을 미쳤다.
조각에서도 입체주의는 중요한 변화를 가져왔다. 전통적인 조각에서는 돌이나 나무를 깎거나 점토로 형태를 만든 뒤 청동으로 주조하는 방식이 일반적이었지만, 피카소는 판지와 철판 같은 재료를 자르고 접어 결합하는 방식으로 입체구조물을 제작했다. 이는 사물의 겉모습을 하나의 덩어리로 재현하기보다 평면과 선, 비어 있는 공간을 조합해 새로운 입체형태를 만들 수 있다는 가능성을 보여줬다. 이후 현대조각에서는 다양한 산업재료와 조립방식이 적극적으로 사용되기 시작했다.
입체주의는 건축과 디자인에도 영향을 미쳤다. 건물과 가구, 포스터와 인쇄물에서 기하학적 형태와 분절된 면을 활용하는 실험이 나타났으며, 특히 체코에서는 입체주의의 형태를 건축과 응용미술에 적용하는 독특한 흐름이 발전했다. 다만 현대적인 건축물에 네모난 형태가 많다고 해서 모든 기하학적 건축을 입체주의 건축이라고 부를 수는 없다. 입체주의의 직접적인 영향과 단순히 기하학적 형태를 사용했다는 사실은 구분해서 살펴볼 필요가 있다.
입체주의에 대한 비판과 논쟁도 존재한다. 일부 작품은 사물의 형태를 지나치게 분해해 관람객이 무엇을 묘사한 것인지 알아보기 어렵고, 여러 시점을 결합한다는 설명만으로 모든 작품의 구성을 이해하기도 쉽지 않다. 또한 초기 입체주의가 비유럽권 조각과 가면 등에서 영향을 받았다는 점을 둘러싸고, 당시 유럽의 식민주의적 수집환경과 원래 작품을 만든 문화에 대한 설명이 충분히 이루어졌는지 검토하는 연구도 계속되고 있다.
그럼에도 입체주의는 20세기 미술이 구체적인 사물과 인물을 현실처럼 재현하는 데서 벗어나 다양한 표현방식을 발전시키는 중요한 계기가 됐다. 하나의 사물을 반드시 하나의 방향에서 본 모습으로만 그릴 필요는 없으며, 사물의 형태를 분해하거나 서로 다른 재료를 결합해 새로운 이미지를 만들 수도 있다는 생각이 이후 현대미술의 표현범위를 크게 넓힌 것이다.
여담
- 입체주의는 영어로 Cubism이라고 한다.
- 1907년경 파리에서 파블로 피카소와 조르주 브라크를 중심으로 형성됐다.
- 폴 세잔의 후기 회화는 입체주의 형성에 중요한 영향을 미쳤다.
- 피카소의 《아비뇽의 처녀들》(1907)은 입체주의의 출발점과 관련해 자주 언급된다.
- 다만 《아비뇽의 처녀들》을 이미 완성된 입체주의 양식의 작품으로 분류할 것인지에 대해서는 다양한 견해가 있다.
- 입체주의라는 명칭은 사물과 풍경을 입방체 같은 기하학적 형태로 표현한 작품에 대한 비평에서 유래했다.
- 입체주의라고 해서 모든 작품이 정육면체로 이루어진 것은 아니다.
- 같은 사물을 여러 방향에서 본 시각적 정보를 하나의 화면에 결합하는 다중시점은 입체주의를 이해하는 중요한 개념이다.
- 다만 모든 입체주의 작품이 실제 사물의 모든 면을 정확하게 관찰한 뒤 기계적으로 결합한 것은 아니다.
- 초기 입체주의에서는 기타와 바이올린, 병과 컵, 신문과 사람의 얼굴 등 익숙한 사물이 자주 등장한다.
- 일반적으로 1909~1912년경의 표현방식을 분석적 입체주의라고 부른다.
- 1912년경부터 콜라주와 단순화된 형태를 적극적으로 활용하는 종합적 입체주의가 발전했다.
- 1912년 피카소는 《등나무 의자가 있는 정물》에 인쇄된 유포와 밧줄을 사용했다.
- 같은 해 브라크는 《과일 접시와 유리잔》에 나뭇결이 인쇄된 벽지를 붙였다.
- 신문지와 벽지, 천처럼 원래 미술재료가 아니었던 물건을 작품에 직접 사용하면서 콜라주의 표현범위가 크게 확대됐다.
- 후안 그리스와 페르낭 레제 등도 입체주의의 주요 작가다.
- 로베르 들로네와 소니아 들로네는 입체주의의 영향을 바탕으로 색채와 빛을 강조하는 작업을 발전시켰다.
- 1914년 제1차 세계 대전이 발발하면서 피카소와 브라크의 긴밀한 협업은 끝났지만 입체주의 자체가 즉시 사라진 것은 아니다.
- 피카소는 1921년에도 종합적 입체주의의 표현방식을 활용한 《세 명의 음악가》를 제작했다.
- 입체주의는 미래주의와 구성주의, 여러 추상미술 운동에 영향을 미쳤다.
- 입체주의 작품에서 사람의 얼굴이 이상한 방향으로 그려져 있더라도 화가가 얼굴의 구조를 몰라서 그렇게 그린 것은 아니다.
- 정면을 바라보는 얼굴에 옆모습의 코를 함께 그리는 것은 실제로 하나의 시점에서 볼 수 없는 정보를 화면에 결합하는 방식 가운데 하나다.
- “피카소는 사람 얼굴을 왜 이렇게 이상하게 그렸음?”이라는 질문에서 출발해 원근법과 시점, 그림이 현실을 표현하는 방식까지 생각하게 되는 것이 입체주의를 감상하는 방법 가운데 하나다.