후기 인상주의(後期印象主義, Post-Impressionism)는 1880년대부터 20세기 초까지 인상주의의 영향을 받았으면서도 그 표현방식에서 벗어나 새로운 회화를 발전시킨 화가들의 다양한 경향을 통틀어 이르는 미술사적 명칭이다. 대표적인 화가로는 폴 세잔, 빈센트 반 고흐, 폴 고갱, 조르주 쇠라 등이 있으며, 넓은 의미에서는 폴 시냐크, 앙리 드 툴루즈로트레크, 에밀 베르나르와 나비파의 일부 화가도 관련 인물로 다뤄진다. 이들의 작품은 이후 입체주의와 야수주의, 표현주의, 추상미술 등 20세기 현대미술이 형성되는 데 중요한 영향을 미쳤다.[1]
후기 인상주의를 이해할 때 가장 중요한 것은 하나의 통일된 화풍이나 특정한 예술가 단체를 가리키는 말이 아니라는 점이다. 세잔은 사물의 형태와 공간을 탐구했고, 반 고흐는 강렬한 색채와 붓질을 통해 감정을 표현했으며, 고갱은 상징적인 색채와 단순화된 형태를 활용했다. 쇠라는 색채이론을 바탕으로 화면을 작은 색점들로 구성했다. 이들의 그림은 서로 상당히 다르게 생겼지만, 인상주의에서 출발해 그 표현방식을 각기 다른 방향으로 발전시켰다는 공통점 때문에 후기 인상주의라는 이름으로 묶인다.
클로드 모네의 그림이 “지금 눈앞의 풍경에 빛이 어떻게 비치고 있는가?”라는 질문에 집중했다면, 후기 인상주의 화가들은 여기서 한발 더 나아가 “그 풍경을 어떤 구조로 그릴 것인가?”, “이 풍경을 바라보며 무엇을 느끼는가?”, “실제로 보이는 색과 다른 색을 써도 되는가?” 등의 문제를 탐구했다. 그렇다고 인상주의 화가들에게 감정이나 화면구성에 대한 관심이 없었던 것도 아니고, 후기 인상주의 화가들이 자연의 빛을 완전히 무시한 것도 아니다. 두 흐름은 단절되기보다 서로 겹치면서 발전했다.
오늘날에는 후기 인상주의가 인상주의 다음에 등장한 하나의 미술운동처럼 소개되는 경우가 많지만, '후기 인상주의'라는 명칭 자체는 주요 작가들이 활동하던 당시보다 뒤늦게 널리 사용되기 시작했다. 특히 1910년 영국의 미술평론가 로저 프라이가 런던에서 개최한 《마네와 후기 인상주의자들》 전시를 계기로 이 명칭이 미술사에서 자리 잡았다. 당시 이미 세잔과 반 고흐, 고갱, 쇠라는 모두 사망한 상태였다.[2]
당사자들은 서로 다른 생각으로 그림을 그리고 있었는데, 나중에 미술사가들이 “인상주의 다음 세대니까 일단 후기 인상주의로 묶자”라고 이름을 붙인 셈이다. 따라서 후기 인상주의에 속한 화가들의 작품을 볼 때에는 공통된 특징만 찾기보다 각자가 인상주의의 어떤 부분을 받아들이고 무엇을 다르게 표현하려 했는지 살펴보는 편이 이해하기 쉽다.
역사
인상주의 이후의 새로운 실험
19세기 후반 프랑스 미술계에서는 클로드 모네와 피에르오귀스트 르누아르, 카미유 피사로, 에드가 드가 등이 빛과 색채의 순간적인 변화, 현대도시와 일상생활을 소재로 한 새로운 회화를 발전시켰다. 이들은 1874년부터 독립적인 그룹 전시회를 개최하면서 기존의 공식 살롱전과는 다른 방식으로 작품을 발표했다.
인상주의는 화가들이 전통적인 역사화와 신화화, 정교한 원근법과 매끄러운 명암 표현에서 벗어나도록 만드는 중요한 계기가 됐다. 그러나 새로운 회화를 탐구하던 모든 화가가 순간적인 빛의 변화와 눈앞의 풍경을 포착하는 데 만족했던 것은 아니다.
일부 화가들은 사물의 형태와 공간을 더욱 체계적으로 구성하려 했고, 다른 화가들은 감정과 상상력, 종교적·상징적 의미를 작품에 담는 데 관심을 가졌다. 색채를 사용하는 방법도 점차 다양해졌다. 실제 자연에서 관찰되는 색을 표현하는 데서 벗어나 강렬한 원색과 보색을 활용하거나, 색채를 수학적·과학적 이론에 따라 배열하는 실험이 나타났다.
이러한 변화는 인상주의 전시회가 계속 열리던 1880년대부터 이미 진행되고 있었다. 따라서 후기 인상주의가 1886년 마지막 인상주의 전시회가 끝난 뒤 갑자기 등장했다고 이해하면 정확하지 않다. 여러 작가가 인상주의 화가들과 교류하면서 동시에 자신만의 표현방식을 발전시켰으며, 일부는 실제로 인상주의 그룹 전시회에도 참여했다.[3]
1886년 마지막 인상주의 전시회
1886년 파리에서는 여덟 번째이자 마지막 인상주의 그룹 전시회가 개최됐다. 이 전시회에는 조르주 쇠라와 폴 시냐크 등 새로운 세대의 화가가 참여했으며, 특히 쇠라의 《그랑드 자트섬의 일요일 오후》가 큰 관심을 끌었다.
쇠라는 작은 색점들을 체계적으로 배열해 화면을 구성하는 방식을 발전시켰다. 이는 모네 등이 사용했던 자유로운 붓질과 구별되는 방법이었으며, 빛과 색채를 표현하려는 인상주의의 관심을 색채이론과 더욱 체계적인 제작방식으로 확장한 것이었다. 이러한 흐름은 이후 신인상주의라는 별도의 명칭으로 알려지게 됐다.
한편 폴 세잔은 이미 1874년과 1877년의 인상주의 전시회에 참여했지만, 이후에는 고향인 엑상프로방스 등에서 사물의 형태와 공간구조를 탐구하는 독자적인 작품을 발전시켰다. 빈센트 반 고흐는 1886년 파리에 도착해 인상주의와 신인상주의 화가들의 작품을 접한 뒤 기존의 어두운 색채에서 벗어나 밝고 강렬한 색을 사용하기 시작했다.
폴 고갱 역시 1880년대에 인상주의 화가들과 교류하면서 작품활동을 발전시켰지만, 이후에는 실제 풍경을 관찰해 재현하는 방식보다 기억과 상상력, 상징적인 색채를 강조하는 방향으로 나아갔다.
같은 인상주의에서 출발했는데 한 사람은 사물의 구조를 분석하고, 한 사람은 감정을 색으로 표현하고, 다른 사람은 점을 찍고, 또 다른 사람은 현실에 없는 색으로 그림을 그리기 시작한 것이다. 이러한 다양성이 후기 인상주의의 가장 중요한 특징이다.
로저 프라이와 후기 인상주의라는 명칭
1910년 영국의 미술평론가이자 화가인 로저 프라이(Roger Fry)는 런던의 그래프턴 갤러리에서 《마네와 후기 인상주의자들》(Manet and the Post-Impressionists)이라는 전시회를 기획했다.
전시회에는 에두아르 마네와 세잔, 반 고흐, 고갱 등 인상주의 이후의 회화 발전과 관련된 여러 화가의 작품이 소개됐다. 프라이는 서로 다른 화풍을 가진 화가들의 작업을 하나의 전시회에서 소개하기 위해 후기 인상주의라는 포괄적인 명칭을 사용했다.[4]
이 전시회는 영국 미술계에서 논쟁을 불러일으켰다. 당시 관객들은 기존의 사실적인 묘사에서 벗어난 강렬한 색채와 변형된 인체, 단순화된 형태를 낯설게 받아들였으며, 일부 비평가는 작품의 표현방식을 강하게 비판했다.
프라이는 1912년에도 두 번째 후기 인상주의 전시회를 개최했다. 이후 후기 인상주의라는 명칭은 19세기 말 인상주의의 영향을 받아 새로운 표현방식을 발전시킨 여러 화가를 포괄하는 미술사적 용어로 널리 사용되기 시작했다.
다만 1910년 전시회에 포함됐다는 사실만으로 모든 참가자를 오늘날의 후기 인상주의 핵심 작가로 분류하는 것은 아니다. 예를 들어 마네는 인상주의의 중요한 선구자이지만 일반적으로 세잔·반 고흐·고갱·쇠라와 같은 의미의 후기 인상주의 대표 화가로 분류되지는 않는다.
주요 특징
통일된 화풍이 없는 예술운동
후기 인상주의를 설명할 때 가장 먼저 기억해야 할 것은 화가마다 추구한 표현방식이 상당히 달랐다는 점이다. 일반적으로 미술운동이라고 하면 비슷한 시기에 활동한 예술가들이 공통된 목표와 기법을 공유하고 선언문이나 단체를 결성한 경우를 떠올리기 쉽다.
그러나 후기 인상주의는 처음부터 하나의 단체로 출발하지 않았다. 세잔과 반 고흐, 고갱과 쇠라는 인상주의에서 영향을 받았다는 공통점은 있지만 사물의 형태와 색채를 이해하는 방식, 작품에 담으려는 내용, 실제로 사용한 기법이 서로 달랐다.
세잔의 정물화에서는 사과와 병, 탁자의 구조가 중요하게 나타나지만, 반 고흐의 풍경화에서는 소용돌이치는 붓질과 강렬한 색채가 두드러진다. 고갱은 인물과 배경을 비교적 평평하고 넓은 색면으로 구성했고, 쇠라는 작은 색점들을 규칙적으로 배치했다.
따라서 “후기 인상주의 그림은 이렇게 생겼다”고 하나의 예시를 제시하기는 어렵다. 오히려 인상주의 이후 화가들이 회화의 여러 요소를 각기 다른 방향으로 발전시켰다는 사실 자체가 후기 인상주의의 특징이다.
색채의 독립적인 표현
인상주의 화가들은 실제 풍경에서 관찰되는 빛과 색채의 변화에 관심을 가졌다. 반면 후기 인상주의 화가들 가운데 일부는 눈에 보이는 색을 그대로 표현하기보다 색채 자체가 가지는 감정적·상징적 효과를 더욱 중요하게 다뤘다.
반 고흐는 강렬한 노란색과 파란색, 붉은색과 초록색 등을 대비시켜 자신의 감정과 그림의 분위기를 표현했다. 고갱은 실제 풍경과 다른 색을 사용해 인물과 장소를 상징적으로 구성했으며, 쇠라는 서로 다른 색점들이 관람객의 눈에서 어떻게 인식되는지를 고려해 색을 배열했다.
즉 나무는 초록색이고 하늘은 파란색이니까 그렇게 그려야 한다는 규칙에서 더욱 자유로워진 것이다. 화가가 작품에서 어떤 효과를 만들고 싶은지에 따라 나무를 파랗게 그리거나 배경을 붉은색으로 표현할 수 있었고, 이러한 선택이 작품의 중요한 의미를 형성하게 됐다.
물론 인상주의 화가들 역시 실제 사물의 고유색과 다른 색을 사용했다. 후기 인상주의가 처음으로 색채를 자유롭게 사용한 운동이라는 뜻은 아니며, 색채를 감정과 상징·구조의 표현수단으로 더욱 다양하게 활용했다는 점에 차이가 있다.
형태와 공간에 대한 탐구
세잔의 작품에서는 사물의 형태와 공간구조를 새롭게 표현하려는 시도가 두드러진다. 사과와 병, 나무와 건물의 외형을 세밀하게 묘사하는 대신 기하학적 구조를 파악하고, 색채와 붓질을 이용해 화면 전체의 균형을 구성했다.
전통적인 원근법에서는 하나의 시점에서 바라본 장면을 일관되게 표현하는 것이 중요하지만, 세잔의 정물화에서는 탁자의 양쪽 가장자리가 어긋나거나 사물의 각도가 조금씩 달라 보이는 경우가 있다. 이는 사물과 공간을 하나의 고정된 시점에만 맞추기보다 화면 전체의 구성을 고려한 결과로 이해할 수 있다.
이러한 표현방식은 이후 파블로 피카소와 조르주 브라크가 발전시킨 입체주의에 중요한 영향을 미쳤다. 입체주의는 사물의 형태를 여러 면으로 분해하고 다양한 시각적 정보를 하나의 화면에 재구성하면서 세잔의 실험을 더욱 급진적으로 발전시켰다.
다만 세잔이 이미 완성된 입체주의 그림을 그렸다는 뜻은 아니다. 세잔은 실제 자연과 사물의 형태를 관찰하는 작업을 계속했고, 입체주의는 이후의 화가들이 그의 실험에서 새로운 가능성을 발견하면서 형성된 별도의 예술운동이다.
감정과 상징의 강조
후기 인상주의의 일부 화가들은 눈에 보이는 현실을 표현하는 것보다 그 현실을 바라보며 느끼는 감정이나 종교적·정신적인 의미를 중요하게 다뤘다.
반 고흐의 작품에서는 실제 풍경의 모습뿐 아니라 강렬한 붓질과 색채가 만들어내는 감정적인 효과가 두드러진다. 고갱은 종교적 상상력과 신화, 기억과 관념을 작품에 반영하면서 현실을 그대로 묘사하는 방식에서 벗어났다.
이러한 경향은 이후 상징주의와 표현주의 등 다른 예술운동과도 연결됐다. 그러나 모든 후기 인상주의 작품이 화가의 내면적인 감정이나 종교적 의미를 직접 표현하려 했던 것은 아니다. 쇠라의 색채이론과 세잔의 공간구조에 대한 관심처럼 상대적으로 형식적인 문제를 탐구한 작품도 존재한다.
주요 작가와 작품
폴 세잔
폴 세잔(Paul Cézanne, 1839~1906)은 후기 인상주의를 대표하는 프랑스 화가로, 사물의 형태와 공간을 새롭게 구성하는 방식에 중요한 영향을 미쳤다. 초기에는 카미유 피사로와 교류하면서 인상주의 회화의 밝은 색채와 야외 풍경화에 관심을 가졌으며, 1874년과 1877년 인상주의 그룹 전시회에도 참가했다.
그러나 이후에는 빛의 순간적인 변화보다 사물의 형태와 화면의 구조를 더욱 중요하게 다루기 시작했다. 특히 정물화에서는 사과와 병·탁자·그릇 등을 단순한 기하학적 형태와 색채의 관계로 파악하면서 전통적인 원근법과 다른 공간구성을 발전시켰다.
세잔은 프랑스 남부 엑상프로방스 인근의 생트빅투아르산을 여러 차례 그렸다. 이 작품들에서는 산과 나무, 건물과 하늘을 비교적 단순한 색면과 짧은 붓질로 구성하면서 풍경 전체의 구조를 표현했다.[5]
세잔의 작품은 이후 피카소와 브라크의 입체주의 형성에 중요한 영향을 미쳤으며, 현대미술에서 사물의 형태와 화면구성을 새롭게 생각하는 계기가 됐다.
대표작으로는 《카드놀이하는 사람들》 연작, 《사과와 오렌지》, 《생트빅투아르산》 연작, 《대수욕도》 등이 있다.
빈센트 반 고흐
빈센트 반 고흐(Vincent van Gogh, 1853~1890)는 네덜란드 출신의 화가로, 강렬한 색채와 뚜렷한 붓질을 통해 후기 인상주의의 표현적인 측면을 발전시켰다.
반 고흐의 초기 작품은 어두운 색채와 농민들의 생활을 다룬 그림이 많았지만, 1886년 파리에 도착한 뒤 인상주의와 신인상주의 화가들의 작품을 접하면서 밝은 색채를 사용하기 시작했다. 이후 프랑스 남부 아를에서 해바라기와 풍경, 인물 등을 그리며 독자적인 화풍을 발전시켰다.[6]
반 고흐의 그림에서는 붓질이 화면 위에 뚜렷하게 남아 있으며, 나무와 하늘·건물 등은 실제 풍경보다 더욱 강렬하고 역동적으로 표현되는 경우가 많다. 그는 보색의 대비와 두껍게 쌓아 올린 물감의 질감을 활용해 작품의 분위기와 감정적인 효과를 강화했다.
대표작으로는 《감자 먹는 사람들》(1885), 《해바라기》 연작(1888~1889), 《아를의 침실》(1888), 《별이 빛나는 밤》(1889), 《까마귀가 나는 밀밭》(1890) 등이 있다.
다만 반 고흐의 모든 작품을 정신적 고통의 직접적인 표현으로만 해석하는 것은 주의할 필요가 있다. 그는 색채와 구도, 붓질을 의식적으로 연구한 화가였으며, 풍경과 인물의 표현을 발전시키기 위해 여러 작품과 미술기법을 꾸준히 탐구했다.
그림에 붓질이 격렬하게 남아 있다고 해서 아무 생각 없이 감정에 취해 물감을 휘갈겼다는 뜻은 아니다.
폴 고갱
폴 고갱(Paul Gauguin, 1848~1903)은 프랑스의 화가로, 실제 자연에서 관찰되는 색채보다 기억과 상상력·상징적인 의미를 강조하는 작품을 발전시켰다.
고갱은 처음에는 인상주의 화가들과 교류하면서 그림을 그렸지만, 이후 브르타뉴 지방의 퐁타방 등에서 평평한 색면과 뚜렷한 윤곽선을 활용하는 독자적인 표현방식을 발전시켰다. 그는 현실의 풍경을 그대로 묘사하는 것보다 그림을 구성하는 색과 형태가 종교적·정신적인 의미를 전달할 수 있다는 가능성에 관심을 가졌다.
대표작 《설교 후의 환상》(1888)에서는 브르타뉴 지방의 여성들이 종교적 환상을 바라보는 모습을 묘사했다. 화면의 땅은 실제 자연에서 쉽게 볼 수 없는 강렬한 붉은색으로 표현되어 있으며, 종교적 환상의 장면과 여성들의 모습이 하나의 화면에 결합되어 있다.
이후 고갱은 타히티와 마르키즈 제도 등 프랑스의 식민지였던 지역에서 활동하면서 현지의 인물과 생활, 자신의 상상력을 결합한 작품을 제작했다. 다만 이러한 작품들은 당시 유럽의 식민주의적 시선과 현지 주민, 특히 여성들을 표현한 방식 등과 관련해 오늘날 비판적인 연구의 대상이 되기도 한다. 고갱이 자신의 작품에 담은 이상적인 세계와 실제 현지 주민들의 생활은 반드시 동일한 것으로 볼 수 없다.
대표작으로는 《설교 후의 환상》(1888), 《황색 그리스도》(1889), 《타히티의 여인들》(1891), 《우리는 어디서 왔는가? 우리는 누구인가? 우리는 어디로 가는가?》(1897~1898) 등이 있다.
조르주 쇠라
조르주 쇠라(Georges Seurat, 1859~1891)는 신인상주의의 주요 화가로, 색채이론과 시각적 혼합에 관한 연구를 바탕으로 점묘법을 발전시켰다.
쇠라는 서로 다른 색을 팔레트에서 미리 섞기보다 작은 색점들을 화면에 나란히 배치했다. 관람객이 그림에서 일정한 거리를 두고 바라보면 이러한 색점들이 시각적으로 어우러지면서 하나의 형태와 색채로 인식될 수 있다. 그는 이러한 방식을 이용해 빛과 색채를 보다 체계적으로 표현하려 했다.[7]
대표작인 《그랑드 자트섬의 일요일 오후》(1884~1886)는 센강의 섬에서 여가를 보내는 사람들을 묘사한 대형 회화다. 작품에는 다양한 사회계층의 인물들이 등장하며, 화면 전체가 수많은 작은 색점으로 이루어져 있다.
쇠라는 1886년 마지막 인상주의 그룹 전시회에 이 작품을 출품하면서 큰 주목을 받았다. 그의 작품은 인상주의에서 발전했지만 자유로운 붓질 대신 체계적인 색채배열을 활용했다는 점에서 신인상주의라는 별도의 미술운동과도 연결된다.
대표작으로는 《아스니에르에서의 물놀이》(1884), 《그랑드 자트섬의 일요일 오후》(1884~1886), 《서커스》(1890~1891) 등이 있다.
쇠라를 후기 인상주의 화가로 부르는 것은 틀리지 않지만, 그가 발전시킨 구체적인 예술운동을 가리킬 때에는 신인상주의라는 명칭이 더 정확하다.
그 밖의 작가들
폴 시냐크(Paul Signac)는 쇠라와 함께 신인상주의를 발전시킨 화가다. 쇠라가 1891년 사망한 뒤에도 색채의 분할과 시각적 혼합을 활용하는 작업을 이어갔으며, 보다 자유롭고 선명한 색채를 사용하는 방향으로 화풍을 발전시켰다.
앙리 드 툴루즈로트레크(Henri de Toulouse-Lautrec)는 파리의 카바레와 공연장, 무용수와 배우 등 도시의 대중문화를 주요 소재로 삼았다. 그는 회화뿐 아니라 석판화와 포스터에서도 독자적인 표현방식을 발전시켰으며, 강렬한 색면과 단순화된 윤곽선을 활용해 현대적인 그래픽 디자인의 발전에도 영향을 미쳤다.
에밀 베르나르(Émile Bernard)는 고갱과 교류하면서 평평한 색면과 뚜렷한 윤곽선, 상징적인 색채를 강조하는 작품을 제작했다. 이러한 표현은 종합주의와 클루아조니슴 등으로 불리는 새로운 회화적 실험과 연결됐다.
피에르 보나르(Pierre Bonnard)와 에두아르 뷔야르(Édouard Vuillard) 등은 나비파를 중심으로 활동하면서 색채와 형태의 장식적인 효과, 일상적인 실내공간과 인물의 표현을 탐구했다. 이들은 후기 인상주의의 넓은 흐름과 관련되지만 나비파라는 별도의 예술가 집단으로도 다뤄진다.[8]
관련 예술운동
신인상주의
신인상주의(Neo-Impressionism)는 1880년대 중반 조르주 쇠라와 폴 시냐크 등을 중심으로 형성된 미술운동이다. 인상주의가 빛과 색채의 순간적인 인상을 비교적 자유로운 붓질로 표현했다면, 신인상주의는 색채이론과 시각적 혼합을 체계적으로 활용하려 했다.
신인상주의의 대표적인 기법으로는 작은 색점들을 나란히 배치하는 점묘법과 색채를 분리해 사용하는 색채분할이 있다. 다만 신인상주의와 점묘법을 완전히 같은 뜻으로 사용하는 것은 주의할 필요가 있다. 신인상주의는 색채이론과 회화적 구성에 관한 보다 넓은 예술운동이며, 점묘법은 이를 실현하기 위해 활용한 기법 가운데 하나다.
신인상주의는 후기 인상주의의 넓은 범주 안에서 다뤄지는 경우가 많지만, 구체적인 화가 집단과 표현방식을 설명할 때에는 별도의 명칭으로 구분한다.
종합주의와 퐁타방파
종합주의(Synthetism)는 1880년대 후반 고갱과 에밀 베르나르 등을 중심으로 발전한 미술적 경향이다. 화가가 눈앞의 풍경을 관찰해 얻은 시각적 인상뿐 아니라 기억과 감정, 상상력 등을 결합해 작품을 구성하려 했으며, 비교적 넓고 평평한 색면과 단순한 형태를 활용했다.
프랑스 브르타뉴 지방의 퐁타방은 이러한 화가들이 교류한 중요한 장소였다. 이곳에서 활동한 예술가들은 후대에 퐁타방파로 불리게 됐으며, 실제 풍경과 상징적인 표현을 결합하는 새로운 회화를 발전시켰다.
특히 고갱의 《설교 후의 환상》에서는 붉은색으로 표현된 땅과 단순화된 형태가 실제 풍경의 사실적인 묘사보다 종교적 환상과 작품의 상징적인 의미를 전달하는 역할을 한다.
나비파
나비파(Les Nabis)는 1880년대 말부터 1890년대에 걸쳐 프랑스에서 활동한 예술가 집단이다. 폴 세뤼지에와 모리스 드니, 피에르 보나르, 에두아르 뷔야르 등이 참여했으며, 고갱과 종합주의의 영향을 받아 색채와 평면적인 구성을 강조하는 작품을 제작했다.
나비파 화가들은 회화뿐 아니라 판화와 포스터, 실내장식 등 다양한 분야에서 활동했다. 이들은 자연을 실제처럼 재현하는 일보다 색과 선·형태가 화면 안에서 만들어내는 장식적·상징적 효과에 관심을 가졌다.
따라서 후기 인상주의와 나비파의 관계를 설명할 때에는 후기 인상주의가 나비파와 완전히 별개인 하나의 단체였던 것이 아니라, 나비파가 후기 인상주의와 연결되는 다양한 흐름 가운데 하나였다는 점을 이해할 필요가 있다.
인상주의와의 차이
인상주의와 후기 인상주의는 이름이 비슷하지만 완전히 같은 화풍을 가리키지는 않는다. 그렇다고 어느 한쪽이 더 발전된 미술이거나 다른 쪽의 표현방식을 전부 부정했다는 뜻도 아니다.
인상주의는 주로 빛과 색채의 순간적인 변화, 현대적인 일상생활과 야외 풍경을 직접 관찰하고 표현하는 데 중점을 두었다. 반면 후기 인상주의에 속하는 여러 화가는 이러한 성과를 바탕으로 감정과 상징, 사물의 구조, 색채의 체계적인 배열 등을 각자의 방식으로 발전시켰다.
간단히 비교하면 다음과 같다.
| 구분 | 인상주의 | 후기 인상주의 |
|---|---|---|
| 주요 활동시기 | 19세기 후반, 특히 1870~1880년대 | 1880년대부터 20세기 초까지 |
| 성격 | 독립 전시회를 중심으로 형성된 예술가들의 운동 | 인상주의 이후의 여러 표현방식을 묶는 포괄적인 미술사적 명칭 |
| 주요 관심 | 빛과 색채의 순간적인 변화, 일상생활과 풍경 | 감정과 상징, 형태와 공간, 색채이론 등 다양한 탐구 |
| 표현방식 | 자유로운 붓질과 빛의 변화에 따른 색채표현 등 | 기하학적인 구조, 강렬한 붓질, 평평한 색면, 점묘법 등 작가마다 다름 |
| 대표 작가 | 클로드 모네, 피에르오귀스트 르누아르, 에드가 드가, 베르트 모리조 등 | 폴 세잔, 빈센트 반 고흐, 폴 고갱, 조르주 쇠라 등 |
이러한 구분은 각 예술운동의 전반적인 특징을 비교하기 위한 것이며, 실제 화가들의 작업은 표처럼 명확하게 나뉘지 않는다. 세잔은 인상주의 그룹 전시회에 참여했고, 신인상주의를 발전시킨 쇠라도 마지막 인상주의 전시회에 작품을 출품했다.
또한 모네는 1886년 이후에도 빛과 색채를 탐구하는 작품을 계속 제작했다. 인상주의라는 운동이 먼저 등장했다고 해서 후기 인상주의가 나타난 순간 모든 인상주의 화가가 활동을 중단한 것은 아니다.
미술사에서 인상주의 다음 장에 후기 인상주의가 나온다고 해서 화가들이 1886년에 단체로 붓을 내려놓고 다음 세대에게 캔버스를 넘겨준 것은 아니다.
현대미술에 미친 영향
후기 인상주의는 20세기 현대미술의 여러 흐름이 형성되는 데 중요한 영향을 미쳤다. 각 화가가 인상주의에서 출발해 서로 다른 문제를 탐구했기 때문에, 이후 예술가들은 하나의 공통된 화풍이 아니라 각자 관심을 가진 표현방식을 발전시키는 방향으로 나아갔다.
세잔의 형태와 공간에 대한 탐구는 입체주의의 발전과 연결됐다. 파블로 피카소와 조르주 브라크는 세잔의 회화에서 영향을 받아 사물의 형태를 여러 면으로 분해하고 다양한 시점에서 본 모습을 하나의 화면에 재구성하는 방법을 발전시켰다.
반 고흐의 강렬한 색채와 붓질은 이후 표현주의 화가들에게 중요한 영향을 미쳤다. 표현주의는 외부의 현실을 있는 그대로 재현하는 것보다 화가의 감정과 내면적인 경험을 드러내기 위해 색채와 형태를 변형하는 방향으로 발전했다.
고갱의 상징적인 색채와 평면적인 형태는 야수주의와 나비파 등 여러 예술운동에 영향을 미쳤다. 특히 야수주의 화가들은 실제 사물의 색에 얽매이지 않고 강렬한 원색을 활용하면서 색채 자체가 만들어내는 표현효과를 강조했다.
쇠라와 시냐크의 색채분할과 점묘법은 색채의 시각적 효과를 탐구하는 여러 예술가에게 영향을 미쳤다. 이러한 실험은 이후의 회화에서 색채를 자연의 모습을 재현하는 도구뿐 아니라 화면을 구성하는 독립적인 요소로 다룰 수 있다는 가능성을 넓혔다.[9]
결국 후기 인상주의의 중요한 의의는 인상주의에서 발전한 자유로운 색채와 붓질을 바탕으로 화가가 실제로 보이는 현실을 반드시 그대로 그릴 필요는 없다는 생각을 더욱 확장했다는 점이다. 색채로 감정을 표현할 수도 있고, 사물의 구조를 새롭게 구성할 수도 있으며, 실제로 눈에 보이지 않는 상징과 관념을 작품에 담을 수도 있게 된 것이다.
여담
- 후기 인상주의는 영어로 Post-Impressionism이라고 한다.
- 일반적으로 1880년대부터 20세기 초까지 인상주의의 영향을 받아 발전한 여러 미술적 경향을 가리킨다.
- 후기 인상주의는 하나의 통일된 화풍이나 특정한 예술가 단체를 가리키는 말이 아니다.
- 폴 세잔, 빈센트 반 고흐, 폴 고갱, 조르주 쇠라가 대표적인 화가로 언급된다.
- 세잔은 사물의 형태와 공간구조를 탐구했다.
- 반 고흐는 강렬한 색채와 붓질을 활용했다.
- 고갱은 상징적인 색채와 단순화된 형태를 강조했다.
- 쇠라는 색채이론을 바탕으로 점묘법을 발전시켰다.
- 이렇게 네 사람의 그림이 전부 다르게 생겼는데 같은 후기 인상주의로 분류된다. 이것이 후기 인상주의를 하나의 통일된 화풍으로 이해하면 안 되는 이유다.
- 세잔은 1874년과 1877년 인상주의 그룹 전시회에 참가했다.
- 쇠라는 1886년 마지막 인상주의 그룹 전시회에 《그랑드 자트섬의 일요일 오후》를 출품했다.
- 반 고흐는 1886년 파리에 도착해 인상주의와 신인상주의 화가들의 작품에서 영향을 받았다.
- 고갱 역시 초기에는 인상주의 화가들과 교류했지만 이후 독자적인 화풍을 발전시켰다.
- 후기 인상주의라는 명칭은 1910년 로저 프라이가 런던에서 개최한 《마네와 후기 인상주의자들》 전시를 계기로 널리 알려졌다.
- 당시 세잔과 반 고흐, 고갱, 쇠라는 이미 모두 사망한 상태였다.
- 따라서 이들이 모두 모여 후기 인상주의 선언문을 발표하거나 정식 단체를 조직한 적은 없다.
- 1910년의 《마네와 후기 인상주의자들》 전시 제목에 에두아르 마네가 등장하지만, 마네 자신은 일반적으로 후기 인상주의보다 인상주의의 선구자로 다뤄진다.
- 신인상주의는 후기 인상주의와 관련된 흐름이지만 별도의 예술운동으로도 구분된다.
- 조르주 쇠라의 작품에 사용된 점묘법은 신인상주의의 대표적인 기법이다.
- 반 고흐와 고갱은 1888년 프랑스 아를에서 함께 생활하며 작업했으나, 두 사람의 관계는 갈등을 겪었고 공동생활은 오래 지속되지 않았다.
- 세잔의 정물화에서는 탁자나 사물의 각도가 전통적인 원근법과 다르게 나타나는 경우가 있다.
- 그렇다고 세잔이 원근법을 몰라서 사과와 탁자를 이상하게 그린 것은 아니다.
- 후기 인상주의 화가들은 실제로 보이는 색과 다른 색을 사용해도 된다는 가능성을 더욱 폭넓게 탐구했다.
- 반 고흐의 작품을 설명할 때 정신건강에 관한 이야기만 반복하는 경우가 있지만, 색채와 화면구성에 관한 그의 의식적인 연구 역시 중요하다.
- 고갱의 타히티 작품은 오늘날 프랑스 식민주의와 현지 주민을 표현한 방식 등과 관련해 비판적인 연구의 대상이 되고 있다.
- 세잔의 작품은 이후 입체주의에 중요한 영향을 미쳤다.
- 반 고흐의 표현적인 색채와 붓질은 표현주의와 연결된다.
- 고갱의 단순화된 형태와 색채는 야수주의와 나비파 등에 영향을 미쳤다.
- 인상주의가 끝난 뒤 후기 인상주의가 시작된 것처럼 연표가 나뉘어 있더라도 실제 예술가들의 활동시기는 서로 겹친다.
- “인상주의 다음이 후기 인상주의면 그다음은 후기 후기 인상주의냐?” 싶겠지만, 실제 미술사에서는 신인상주의와 야수주의·입체주의·표현주의 등 서로 다른 예술운동이 발전했다.